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24 giugno 2019
In occasione dell’inaugurazione della sua mostra abbiamo fatto qualche domanda a Jessica Backhaus, artista e fotografa tedesca. Ci ha raccontato del suo percorso come fotografa, degli incontri e dei cambiamenti di vita che l’hanno fatta crescere e dell’intuizione artistica che da sempre la guida nel cercare nuove strade e nuovi linguaggi.
di Giulia Giazzoli
GG: Mi piacerebbe che mi parlassi del tuo percorso come fotografa facendo riferimento ai tuoi libri. Iniziamo con “Jesus and the cherries”.
Il mio primo libro è stato “Jesus and the cherries”, uscito nell’autunno del 2005, ed è un progetto che ho sviluppato in 4 anni.
Spesso le persone mi chiedono: “Ma perché la Polonia”? Il progetto mi è venuto in mente in modo naturale perché dopo la caduta del muro di Berlino, pochi anni dopo, mia madre e la sua compagna hanno acquistato una vecchia casa colonica in un villaggio polacco.
Nel 1993 hanno restaurato il vecchio edificio del 1902, quindi da allora ho passato molto tempo in Polonia nel villaggio, nella nostra casa e nei dintorni. Dopo avervi trascorso molto tempo, sono rimasta affascinata dal modo in cui la gente viveva in quegli ambienti rurali. Era un tale contrasto con la mia vita a New York e nel 2000 ho deciso di fare un progetto fotografico.
All’inizio ho fatto alcuni still life e fotografie d’interni nelle case dei nostri vicini. Dopo un po’ ho anche pensato che volevo aggiungere dei ritratti perché mi ero resa conto che non avrei potuto fare il progetto senza le persone. Come molti altri fotografi, sognavo anche di pubblicare un libro.
Una mia cara amica di New York mi disse: “Perché non vai alla Fiera del Libro di Francoforte? Tutti gli editori saranno lì e potresti presentare il tuo lavoro!”.
Ho pensato che fosse un’idea geniale ma non volevo presentarmi con un portfolio, volevo mostrare la mia visione dell’intero progetto. Alla fine ho prodotto un dummy (menabò) con una presentazione speciale in una scatola chiusa con una tovaglia e porcellane polacche. Nell’ottobre 2005 sono andata con questo dummy alla Fiera di Francoforte e in cinque giorni ho visto 48 editori. Per 47 volte ho avuto una risposta simile a questa: “Oh, è un bel progetto ma, sai, chi sei tu? Costa un sacco di soldi produrre un libro del genere “. Finché l’ultimo editore che incontrai, Klaus Kehrer, mi disse: “Mi piace molto il progetto, correrò il rischio e lo farò!”. Il libro è stato pubblicato da Kehrer Verlag. Hanno anche prodotto un’edizione da collezione con porcellane originali, un pezzo di zucchero, un cucchiaino e una stampa originale.
Ero molto felice, non solo perché avevo pubblicato il mio primo libro ma era stato realizzato esattamente come me l’ero sognato. È stata un’esperienza fantastica. E ha cambiato la mia vita!
Olga, 2002 da “Jesus and the cherries” © Jessica Backhaus
GG: Da qual momento hai iniziato a pubblicare con lo stesso editore?
Sì, lo stesso dal 2005. Nel frattempo insieme abbiamo fatto 7 libri perché lavoriamo bene insieme e tutta la squadra è fantastica. Gli ultimi tre libri sono stati realizzati da una giovane donna, Hannah Feldmeier. È una designer di grande talento e mi piace seguire con lei tutte le fasi di realizzazione di un libro.
GG: Personalmente mi incuriosiscono molto le cose che accadono accidentalmente, i dettagli che catturano la mia attenzione per caso ma a cui, solo dopo, riesco a dare un significato. Il tuo libro “What still remains” parla anche di questo. Puoi raccontarmi come è nato?
“Jesus and the cherries” era un progetto molto legato a un luogo specifico, la Polonia. Mi sono dovuta recare in Polonia a lavorare ed è stata una vera collaborazione con le persone dei vari villaggi. Con il secondo libro “What still remains” volevo godermi un po’ di libertà, non volevo essere legata a un solo Paese. C’è una parola particolare in tedesco che spiega perfettamente ciò che volevo esprimere in questo progetto, ma non c’è una traduzione esatta ad ora. In inglese si dice transience (transitorietà) ma in realtà non spiega la parola Vergänglichkeit, cioè l’esperienza di qualcosa che è lì e poi svanisce, che scivola via: le cose non rimangono le stesse, le cose cambiano continuamente.
Una delle idee che mi ha permesso di fare questo progetto risale a quando vivevo a New York e stavo andando nella mia camera oscura in Chinatown (al tempo stampavo io tutto il mio lavoro), un giorno stavo attraversando Broadway e ho visto un pettine blu incastonato nel marciapiede e ho pensato: “Come ci è finito questo bel pettine blu sul marciapiede nero di Broadway?”. Mi aveva affascinata. Personalmente sono molto legata agli oggetti, perché credo che gli oggetti abbiano una loro storia, un mistero e spesso mi chiedo come le cose vadano da un punto A a un punto B. Volevo fare un progetto sul concetto di Vergänglichkeit, che in qualche modo ha molto a che fare con noi come esseri umani.
Nelle mie fotografie puoi vedere solo vari oggetti e interni, ma penso che attraverso l’assenza delle persone si possa sentire la loro presenza. Gli oggetti e gli interni possono rivelare molti aspetti diversi della natura umana. È un riflesso, un ritratto di chi siamo e del modo in cui viviamo.
Green tea, 2006 da “What still remains” © Jessica Backhaus
GG: “Once Still and Forever” nasce dal tuo desiderio di trasferirti da New York a Berlino, di tornare a casa, in Europa, dopo tanti anni. Qualche parola su questo libro e una domanda più personale: cosa ha significato per te trasferirsi?
Ho lasciato New York nell’estate del 2009 e sono tornata a Berlino. È stata una transizione intensa perché non vivevo più in Germania da 22 anni. Volevo documentare questo momento particolare. “Once, still and forever” è un progetto molto personale per me. Tratta di tempo … passato, presente e futuro. È anche un progetto sulle nostre emozioni umane. Emozioni che tutti noi proviamo o abbiamo provato ad un certo punto della nostra vita. Mi sono messa in piedi ai limiti dei mio passato, ho fatto un passo verso il mio viaggio nel presente e ho guardato con aspettativa, incertezza e curiosità al mio nuovo futuro. Sapevo che la mia vita stava per cambiare. Mi chiedevo quanto lontano possiamo viaggiare e come avrei reagito tornando nel mio Paese d’origine dopo essere stata via per 22 anni. La vita è fatta di diversi capitoli e credo che dobbiamo superare le nostre paure e celebrare le sfide. Qualcosa dentro di me si era rotto e allo stesso tempo qualcosa era vivo. Stavo cercando una nuova vita dentro di me. I primi due anni mi sentivo come se fossi in una terra di nessuno, perché non ero più a casa a New York e non mi sentivo a casa nemmeno a Berlino. Per quanto fosse impegnativo, era anche un momento eccitante. Stavo scoprendo nuove cose dentro di me e mi rendevo conto di come stavo cambiando come persona.
GG: Veniamo al tuo ultimo libro “A Trilogy”, ora in mostra da Mutty. In queste fotografie è visibile un salto nel tuo modo di lavorare: hai selezionato gli oggetti e li hai disposti su sfondi colorati, creando dei set e nell’ultima serie “New Horizon” hai utilizzato la tecnica del collage per creare opere che partono dalla fotografia ma che si trasformano in qualcosa d’altro. Puoi parlarmi di questo cambiamento nel tuo modo di lavorare?
Prima di “A Trilogy” ho lavorato a “Six Degrees of Freedom”, un progetto molto particolare per me, dopo il quale mi sentivo svuotata, non in modo negativo ma positivo. Semplicemente non avevo idea di cosa avrei fatto dopo.
“A Trilogy” è composto da tre serie anche se all’inizio, mentre ci stavo lavorando, non sapevo ancora che le avrei trasformate in una trilogia, è successo in modo molto organico e naturale. Ho iniziato con la prima serie che si chiama “Beyond Blue”, una serie radicalmente ridotta. Ho lavorato solo con tre elementi: un pezzo di corda, uno sfondo colorato e la luce del sole. Delle stringhe colorate si stagliano contro sfondi colorati. Sembrano condurre una vita propria, tracciando la caduta della luce nello spazio e formando contorni variamente modellati.
In “Six Degrees of Freedom” mi sono data per la prima volta il permesso di creare degli still life. Prima e fino a “Six Degrees of Freedom” non mi sono mai permessa di toccare nulla: quello che vedevo era come lo fotografavo, non avrei mai spostato nulla, inquadravo solo la mia immagine e non mi piaceva organizzarla, ma in quel momento stavo infrangendo la mia stessa regola. Ho fatto molte prove e ho cercato di capire come potevo creare degli still life costruendo una mise-en-scene. Per me questa prima serie è come una danza.
Unfolding, 2015 da “Six degrees of freedom” © Jessica Backhaus
GG: Solo una precisazione, quindi la svolta è avvenuta mentre stavi lavorando a “Six Degrees of Freedom”, giusto?
Sì, è avvenuta in quel momento. C’è una immagine nel libro in cui si può notare che stavo già sperimentando con la stringa. E poi, più o meno simultaneamente, mentre creavo “Beyond blue”, stavo anche lavorando alla seconda serie che si chiama “Shifting clouds”. Questa serie riguarda il mio processo di cambiamento. Volevo andare in una direzione diversa, stavo cercando di capire cosa avrei voluto fare dopo. In quel periodo avevo trovato un atelier, uno studio – il mio primo studio. Prima fotografavo per strada, nel mondo, ovunque fossi. Con questo nuovo spazio stava per iniziare un cambiamento. È uno spazio minimalista e all’inizio ho pensato: “Cosa farò qui?”. Ho avuto il desiderio di sperimentare. In “Shifting clouds” mostro frammenti e visioni che sono sul punto di diventare, presi nel limbo.
Nella terza serie “New horizon” l’intuizione gioca un ruolo importante. Quando sono entrata nel mio studio mi sentivo come un’attrice che va sul palco con una specie di paura da palcoscenico. Ho avuto la stessa sensazione andando in studio perché stavo affrontando la mia stessa creatività. Ho dovuto iniziare da un posto vuoto, da dentro di me, per vedere cosa succedeva. Un giorno mi sono semplicemente fidata del mio istinto, della mia intuizione e ho iniziato a creare collage. In un modo molto naturale ho iniziato a mettere le mie fotografie su un pezzo di carta acquerello. Poi ho aggiunto altri elementi come il nastro adesivo, carte trovate qua e là e alcuni colori liquidi. Mi piace l’uso diverso del tempo necessario per realizzare il collage. Quando si scatta una fotografia si tratta di un decimo di secondo, è un tempo molto veloce, ma il processo di creazione di un collage è l’opposto. Ci vuole del tempo e si deve lavorare con le mani e con materiali diversi, non con la sola telecamera. Ho pensato che fosse qualcosa che volevo davvero esplorare. Quindi per me “A Trilogy” è per molti versi una sorta di liberazione artistica. Mi ha dato la libertà di esplorare nuovi modi di esprimermi.
Ilaria, 2016 da “New Horizon-A Trilogy” © Jessica Backhaus
GG: A proposito di questo, Mutty è soprattutto uno spazio per l’illustrazione oltre che per la fotografia.
Si, ma è anche un luogo delle idee!
GG: È vero, delle idee, e forse è proprio per questo che le tue opere dialogano così bene con lo spazio.
“A Trilogy” è stata esposto alcune volte (il libro è uscito nell’autunno del 2017) ma ogni volta, in un posto nuovo, le opere appaiono diverse. E qui, in particolare da Mutty, penso che sia incredibile come le opere reagiscano al luogo e il luogo reagisca alle opere.
È davvero una simbiosi. Non ero mai stata da Mutty prima d’ora ma sono felicemente sorpresa perché è un posto davvero speciale – un luogo stimolante, dove c’è spazio per diversi modi di pensare, nuove prospettive e sì, può essere illustrazione, può essere fotografia , può essere arte, può essere collage, può essere installazione ma c’è qualcos’altro che alimenta quel processo di creazione e sperimentazione. Credo che Sandra Gobbato (ndr: direttrice di Mutty) abbia una visione molto particolare e forte che permetta di far fiorire nuove idee e di aprire a nuove possibilità.
GG: Ne sono felice. Grazie Jessica!
Installazione mostra “A Trilogy” di Jessica Backhaus da Mutty (2019)
A Trilogy è in mostra fino al 21 giugno 2019 – www.mutty.it/eventi-mutty/a-trilogy-mostra-di-jessica-backhaus-2/
Jessica Backhaus: www.jessicabackhaus.net/
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English version
On the occasion of the exhibition opening we asked some questions to Jessica Backhaus, German artist and photographer. She told us about her journey as a photographer, about the encounters and changes in life that made her grow up and about her artistic intuition that guided her in seeking new ways and new languages.
by Giulia Giazzoli
GG: We would like you to tell us about your journey as a photographer by referring to your books. Let’s start with “Jesus and the cherries”.
The first book I did was “Jesus and the cherries” and it come out in the fall of 2005. It’s a project I developed over a period of 4 years. People tend to ask: “But why Poland”? The project came naturally to me because after the wall came down in Berlin, a few years after that event my mother and her partner bought an old farmhouse in a Polish village. Since 1993 they restaured the old building from 1902, so since then I spent a lot of time in Poland in the village, in our house and the surroundings. After spending much time there, I was fascinated by the way how the people live in these rural settings. It was such a contrast to my life in New York and in 2000 I had decided to do a photographic project.
At the beginning I did some still lifes and interior photographs in the homes of our neighbors. After a while I also felt that I wanted to add some portraits because I realized I couldn’t do the project without the Polish people. Like many other photographers, I was dreaming about having a book published.
A good friend of mine in New York said to me: “Why don’t you go to the Book Fair in Frankfurt, because all the publishers are there and you can present your work”. I thought it was a brillant idea. But I didn’t want to come with a portfolio, I wanted to show my vision of the whole project. I ended up producing a dummy with a special presentation in a clampshell box covered with a polish tablecloth and some polish porcelaine. In October 2005 I went with this produced dummy to the Frankfurt Fair and in five days I saw 48 publishers. 47 times I got a response that was similar like this one: “Oh, it’s a great project but, you know – who are you? It costs a lot of money to produce such a book”, but then the last publisher I met, Klaus Kehrer said: “I really like the project, I will take a chance and do it!”. The book got published by Kehrer Verlag. They also produced a Collecter’s Edition with original polish porcelaine, a piece of sugar, a teaspoon and an original print. I was very happy because not only I had my first book published but it was produced exactly how I dreamt of. It was a fantastic experience. And it changed my life!
GG: So from that moment you started to publish with the same publisher, right?
Yes, the same one since 2005. In the meantime we did 7 books together because it is a good collaboration and the whole team is great. The last three books were designed by a young woman, Hannah Feldmeier. She is a very talented designer and I enjoy very much the process when we work on a book together.
GG: I am very intrigued by accidental things, by the details that capture attention by chance but to which we can only give meaning later. Your book “What still remains” also talks about this. Can you tell me why did you do this project?
Well, “Jesus and the cherries” was really attached to a specific place, Poland. I had to go to Poland to work there and it was a true collaboration with the polish people from the various villages. For the second book “What still remains” I wanted to enjoy some freedom, I didn’t want to be tied to one country. There is one particular word in German that explains perfectly what I wanted to express within this project but there is no exact translation up to this date. They say transience but it doesn’t really explain the word Vergänglichkeit, that means the experience of something that is there and then is vanishing, is slipping away: things don’t stay the same, things change all the time. One of the ideas that let me to do this project is that when I used to live in New York and I went to my darkroom in Chinatown (I was printing all of my own work), one day I was crossing Broadway and I saw a blue comb embedded in the black pavement and I thought: “How did this beautiful blue comb ended up in the black pavement on Broadway?”.
I was fascinated. Personally I am very attached to objects, because I believe objects have a certain story, a background, a mystery and I’m wondering how things get from A to B. I wanted to do a project about Vergänglichkeit , which somehow has a lot to do with us as human beings.
In my photographs you can only see various objects and interiors, but I think through the absence of the people you feel their presence. Objects and interiors can reveal many different aspects of human nature. It is a reflection, a certain portrait of who we are and the way we live.
GG: “Once Still and Forever” was born from your desire to move from New York to Berlin, to come back home, to Europe, after so many years. A few words about this book and a more personal question: what did moving mean for you?
I left New York in the summer of 2009 and moved back to Berlin. It was an intense transition as I hadn’t lived in Germany for 22 years. I wanted to document this particular time. Once, still and forever is a very personal project for me. It deals with time… past, present and future. It is also a project about our human emotions. Emotions that all of us feel or felt at some point in our lives. I stood on the edge of my past, took a step towards my present journey and looked with anticipation, uncertainty and curiosity towards my new future. I knew that my life was about to change. I was wondering how far do we travel in a lifetime and how I would react to my own country after being gone for 22 years. Life has various chapters and I believe we have to overcome our own fears and celebrate the challenges. Something inside me was broken and at the same time something was alive. I was in the process of searching for a new life within myself.
The first two years I felt like I was in a no-mans-land, because I was not at home anymore in New York and also didn’t feel at home in Berlin. As much as it was challenging, it was also exciting. I was discovering new things in my life, inside me, and realized how I had changed as a person.
GG: Let’s come to your most recent book “A Trilogy”, now on show at Mutty. In these photographs we can see a jump in your way to take photos: you have selected the objects and arranged them on colored backgrounds, creating sets and in the last serie “New Horizon” you used the collage technique to create works that start from photography but they get into something else. Can you tell me about this change in your way of working?
The project I did before “A Trilogy” was “Six degrees of freedom”, and after that, which was a very particular project, I felt quite empty but not in a negative way but in a positive way. I simply had no idea what I’m going to do next. “A Trilogy” is made out of three series but at the beginning while I was working on these series I didn’t know yet that I would turn them into a trilogy, it just happened in a very organic and natural way. I started with the first series that is called “Beyond Blue”, a very radically reduced series. I only worked with three elements: a piece of string, a colored background and the sunlight. Colorful strings are staged against colored backgrounds. They seem to lead a life of their own, tracing the fall of light in the space and forming variously shaped outlines. In “Six degrees of freedom” I started for the first time the process where I allowed myself to arrange still lifes. Before and until “Six degrees of freedom” I’ve never allowed myself to touch anything: what I saw is how I photographed it, I would have never moved anything, I was just composing my image and I didn’t like to arrange but then I was breaking my own rule. I did many tests and I was interested in how can I create a still life if I arrange a mise-en-scene. For me this first series is like a dance.
GG: Just to be clear, so the change came while you are developing “Six degrees of Freedom”, right?
Yes, it came with “Six degrees of freedom”. There is one image in the book where you can see that I was already experimenting with string. And then more or less simultaneously, while I created “Beyond blue”, I was also working on the second series that is called “Shifting clouds”. This series is about the process of changing. I wanted to go into a different direction, I was trying to figure out what I wanted to do next. During this time, I had found an atelier, a studio space – it was my first one. Before I was always working in the street, in the world wherever I was. With this new studio a change was about to start. It’s a minimalistic space and at the beginning I thought: “What am I gonna do here?”. I had the desire to experiment. In “Shifting clouds” I show fragments and visions that are poised on the verge of becoming, caught in limbo.
In the third series “New horizon” intuition plays an important part. When I went to my studio I felt like an actress who goes onto stage with a sort of stage fright. I had the same feeling going into the studio because I was facing my own creativity. I had to start from an empty place, from deep inside me, to see what happens. One day I simply trusted my instincts, my intuition and started to make collages. In a very natural way I started to put photographs on a piece of aquarelle paper. Then I added other elements like tape, found papers and some liquid colors. I also enjoy the time it takes to make a collage. When you take a photograph it’s a tenth of a second, it’s very fast, but the process of doing a collage it’s the opposite. It takes time and you work with your hands and various materials rather than operating with a technical camera. I really felt it was something that I wanted to explore. So for me “A Trilogy” is in many ways a kind of artistic liberation. It gives me the freedom to explore new ways of expressing.
GG: About this, Mutty is mainly a place for illustration as well as photography.
Yes, it is and also a place about ideas!
GG: Yes and ideas, maybe that’s why your works look so good in this space.
“A Trilogy” has been exhibited a few times (the book came out in the fall of 2017) but each time in a new place the works look different. And here in particular at Mutty, I think it’s incredible how the works react to the place and the place reacts to the works. It’s really a symbiosis. I had never been to Mutty before but I’m so happily surprised because it is such a special place – an inspiring place, where there is room for different ways of thinking, new perspectives and yes, it can be illustration, it can be photography, it can be art, it can be collage, it can be installation but there is something else that nurtures that process of creating and experimenting. I believe Sandra Gobbato has a very particular and strong vision that allows for flourishing new ideas and for opening new possibilities.
GG: I’m happy for this. Thank you Jessica.
A Trilogy is on view until June 21st 2019.